Grupos de trabajo artístico

A lo largo de los talleres presenciales que venimos realizando, hemos ido tratando el concepto de dibujo en la práctica y cómo la concepción que tenemos de este influye en la disposición para realizarlos, en el resultado y en las valoraciones.

Ya sabemos que el arte no consiste en conseguir un resultado concebido anteriormente como correcto, como 2 + 2 = 4. Hemos ido tratando cuestiones técnicas: sombreados, encaje, proporciones, etc. Hemos visto diferentes tipos de dibujos, estilos, medios y hemos hablado del gesto, del rastro-huella, de composiciones, colores, tonos… para detenernos en observar cómo abordamos el trabajo artístico dado que el sentido que otorgamos a nuestras obras depende de nuestra disposición-posicionamiento ante la experiencia artística.

El planteamiento consiste en seguir porque desde la práctica damos sentido al verbo crear…

Dibujo de Neus Ramon

DIBUJO hacia lo CORPORAL

Estamos acostumbrados a ver pinturas sobre el cuerpo, la mayoría de las veces desde la concepción de disfraz-vestimenta-segunda piel, lo que viene a ser body-art painting. Podemos decir que es una de las opciones a la hora de trabajar artísticamente con el cuerpo, la cual se ha practicado desde tiempos antiguos.

El body-art o arte corporal, se empieza a denominar como tal, a finales de los años 60 y se desarrolla en la década siguiente. La clave principal para su definición es CONSIDERAR EL CUERPO COMO CAMPO DE INVESTIGACIÓN ARTÍSTICA. Es decir, el cuerpo pasa a ser el soporte y la materia base para la creación, tanto físico como psíquico y vital.

Se trabaja en Europa y Estados Unidos. Si bien los artistas, tanto en Europa y Estados Unidos trabajaron a partir de dicha clave, no lo hicieron de la misma manera. De manera general los primeros mostraron una tendencia a considerar el cuerpo como objeto, con componentes dramáticos, y por lo común plasmaron sus creaciones a partir de fotografías, notas y dibujos, es decir, con “documentos estáticos”; los norteamericanos dieron más relevancia a los “documentos dinámicos” como los vídeos o films, dado que por lo común sus trabajos se basaban en la acción y la performance (aunque en Europa también las utilizaron como medio) y partieron de conceptos próximos al minimal y al conceptual.

Revistas como la neoyorquina Avalanche y la francesa arTitudes jugaron un papel esencial en la consolidación del arte corporal.

Así, SEGUIMOS ARTÍSTICAMENTE, sabiendo que una buena noticia puede dibujar una sonrisa en el rostro, que unos calcetines estrechos pueden dibujar tobilleras, unas flores pueden ser un campo silvestre en la cabeza…

Dennis Oppenheim, “Two stage transfer drawing”, 1971.

Recetas para pintar con ingredientes culinarios:

Diluir con agua curry o cúrcuma para obtener AMARILLOS, con pimientón dulce para conseguir NARANJAS, spirulina para los VERDES-AZULADOS, etc.

Podemos utilizar directamente zumo de remolacha y vino tinto para pintar con ROSÁCEOS, y café, té concentrado, salsa de soja y tinta de calamar para los MARRONES, etc + vinagre para conseguir adherencia.

Para dibujar se pueden utilizar pinceles, palillos, cucharas, tenedores, etc.

Recomendación: airear un par de días, fijar con algún barniz acrílico, proteger de la luz directa y de la humedad.

Dibujo con spirulina y cúrcuma.

Artículo de Arteterapia

“En el juego, y solo en él, pueden el niño o el adulto crear.” Donald Winnicott

A lo largo de la historia, el arte ha sido y es parte formadora de cultura, abordando temas conflictivos para el ser humano, dando expresión a sentimientos, deseos e ideas, muchas de las veces difíciles de verbalizar. Desde el descubrimiento del inconsciente y  las aportaciones a cerca de los procesos creativos en el campo del psicoanálisis, el lenguaje del arte se ha demostrado como medio de expresión con el valor de conectar con lo anímico. En arteterapia se parte de dicha concepción, entendiendo que el proceso de creación artística proporciona un canal para exteriorizar contenidos internos, mediante la transformación en el acto creativo.

El proceso de creación de la obra requiere de la implicación de quien crea en el momento, facilitando el contacto con los propios pensamientos y emociones junto al desarrollo de la creatividad y la capacidad expresiva, dado que el lenguaje artístico favorece la creación de metáforas visuales y figuras retóricas mediante colores, texturas, etc.

La obra se considera como un tercer interlocutor puente entre realidad y mundo psíquico, que proporciona un distanciamiento y una vía para la reflexión sobre las propias experiencias. Así como, a través de su observación, se convierte en una manera de potenciar la sensibilidad en la percepción de lo sutil del lenguaje artístico.

La actividad en arteterapia, más allá del dominio de las técnicas artísticas, invita a establecer contacto con los propios contenidos internos a través de la creación de imágenes u objetos artísticos, prescindiendo de valoraciones estéticas, en un espacio de acogida.

Mostrarse capaz de abordar el acto de creación dota de herramientas más allá del ámbito artístico. Durante el mismo, la toma de decisiones es necesaria y ayuda a constatar la propia capacidad de resolución, facilitando el reconocimiento de los propios recursos trasladables a otras áreas de la vida. Además durante el proceso de intercambio en el que compartir y plantear las propias necesidades y experiencias, se reafirma la capacidad de expresión, observación y consideración hacia diversos puntos de vista, con los consecuentes beneficios para los participantes.

Marta Parada. Lic. en Bellas Artes. Máster en Arteterapia.

Publicado en Enki, n 37.

Espacio escritura

Venimos de la práctica en los giros, la estructura del relato y los hilos argumentales. Reflexionamos sobre las tendencias narrativas, en concreto cotidiano o abstracto, expandiendo o condensando.

Vamos a por los detalles de la voz y los puntos de vista del narrador con placer…

El blanco

“Espléndido dictado me dan las lentas hojas vestidas de silencio y amarillo.” Neruda

La acuarela empezó en la calle por la búsqueda del color-hoja verde aún, los marrones secos ya, los moteados en los bordes, las variaciones de las vetas. Rocío recogió las hojas para multiplicarlas en el papel, cada vez más fluidamente hasta la pregunta del fondo. A veces, es difícil saber si este es blanco o está en blanco.

Si es por no jugársela, se recomienda seguir.

Hojas de Rocío Prieto-Puga

Papel continente

Ampliar el concepto dibujo a partir de la observación de dibujos de diferentes artistas y reflexiones a cerca de estos supone en la experiencia-práctica ampliar las posibilidades de juego, para seguir en la consideración del espacio-papel como continente de poética.

dibujo a tinta poética